jeudi 30 mai 2013

CONFERENCE / ATELIER

Corps et patrimoines dans l’espace chorégraphique africain
Workshop et débats

12 juin 2013 de 9H30-17H30
(Salle du Centre d’études africaines, 96 boulevard Raspail 7006 Paris)

Le Workshop « Corps et patrimoine dans l’espace chorégraphique africain » s’inscrit dans la continuité des réflexions menées par le programme de recherche de la FMSH « Les territoires du patrimoine en Afrique subsaharienne : enjeux politiques et scientifiques ». Conçu comme une veille sur l'actualité scientifique autour du patrimoine en Afrique, le programme regroupe des recherches initiées dans un cadre académique sur les conséquences sociales et culturelles de l’inflation patrimoniale, et élabore un état de l’art sur un domaine encore méconnu des recherches en Afrique. Il aborde les multiples déclinaisons du patrimoine en valorisant des recherches situées et en questionnant les processus locaux et globaux actifs dans la construction des représentations du passé, des identités et des territoires.

Réunissant des recherches menées sur les espaces et les pratiques chorégraphiques en Afrique (Burkina Faso, Mali, Guinée, Kenya, Tanzanie, Cameroun, Sénégal), le groupe de travail « Danse, corps et patrimoine » est à l’initiative d’une journée d’étude sur la danse contemporaine et ses rapports avec les politiques culturelles en Afrique et dans la Caraïbe. À partir de la présentation de recherches et d’expérimentations artistiques en cours, le groupe de recherche mettra en débat l’articulation entre patrimoine et création. En collaboration avec Afrikadaa, des artistiques proposeront des réflexions multiformes sur le corps dans les performances artistiques, d’arts plastiques en travaillant avec l’architecture coloniale, la danse et les arts vivants. 

A partir de la conjugaison entre des recherches, des créations plastiques, performatives et visuelles, il s’agit de réinterroger les rapports entre créations contemporaines et patrimoine. Il s’agira d’envisager les formes de
patrimonialisation chorégraphique des États africains et les processus créatifs à partir desquels les danseurs s’approprient et gèrent au quotidien des régimes de savoir hétérogènes ainsi qu’aux manières dont ils composent avec des héritages passés.
Dans le sillage des heritages studies, ce groupe vise également à mettre à jour la manière dont les sociétés et les acteurs pensent leurs héritages dans des formes alternatives aux labellisations internationales (UNESCO, IUCN etc.).

Programme de l’atelier
(sous-réserve d’ajustements)

Introduction de l’atelier

9h30 -10h30 Benoit Hazard, Directeur du programme patrimoines africains, chargé de recherche au CNRS.

Yacouba Toure: un cas d’artification entre patrimoine et création (titre provisoire)

10h00-10h30 Yacouba Toure, artiste sculpteur – Burkina Faso. Observer et travailler sur la scène chorégraphique burkinabé et sa remise en scène.

Etudes

10h30 Sarah Andrieu, Anthropologue, chercheure associée au CEMAf-Centre d’Études des Mondes africains.

"On ne peut pas créer sans rétroviseurs". Les valeurs de la création chorégraphique ouest-africaine.

11h00 Elina Djebari, CRAL EHESS - Paris

Création et patrimoine en tension. Le cas de la Biennale artistique et culturelle du Mali

11h30 Altaïr Depres, chercheure associée à l’URMIS, Université Paris Diderot/IRD

Africain mais pas trop. Les injonctions paradoxales de la création chorégraphique contemporaine africaine

Vespérales

Après-midi en partenariat avec la revue AFRIKADA

13h00-13h30 Maica Gugolati , Ecole des Hautes Etudes en Sciences sociales – Paris, Centres d'études africaines


Autour du film de Pascale Obolo "Déambulation Carnavalesque" et des territoires " Caraïbes ".

"(...) La danse, qui est l’objet du langage visuel de la vidéo, est un pur « embodiment » (incorporation), d’une part individuel avec sa propre singularité et d’autre part reprend l’histoire des ancêtres. Elle est aussi une incorporation d’empathie kinesthésique et physique entre les participants des différents groupes. Plusieurs frames, qu’on peut voir dans les premières minutes de la vidéo, reflètent l’émotion corporelle produite parla musique ressentie à travers le mouvement dansant.

Avec ces deux mascarades, le corps dansant vit un processus d’incorporation et de vécu de transgression, contestation et rébellion historique dans la liberté du to Play (jouer) soi même. La fluidité (et le changement continu) des mouvements de danse pendant le carnaval où la danse est urbaine, est paradoxalement un free-style codifié. Elle amène par conséquence le changement formel du carnaval de Trinidad en chaque représentation (...).

- « Déambulation carnavalesque »: un film de Pascale Obolo, 8 minutes. Tourné en super 8, le film associe le spectateur aux danses et à l’errance des masquereders enduits de peinture, qui dansent dans les rues de Port of Spain (Trinidad et Tobago) lors du « Jouvert ». Jouvert, jour d’ouverture du carnaval, exprime la liberté retrouvée des esclaves en 1838. Pleine de poésie picturale, l’oeuvre de Pascale Obolo est une fresque dansée dont les mouvements créent un pont entre l’Afrique et la diaspora caribéenne.

13H30-14H00 Nabou Diop, chorégraphe / Louisa Babari, revue Afrikadaa

Chorégraphe, danseuse et chanteuse sénégalaise, née en Côte d’Ivoire, figure singulière de la danse africaine contemporaine, Nabou Diop a vécu et travaillé en France et au Sénégal. Débutant sa carrière avec le ballet congolais Lemba, puis avec le mythique groupe Touré Kunda, se produisant sur les cinq continents, son oeuvre nourrie de chorégraphies traditionnelles de l'Afrique de l'Ouest, a permis à la danse africaine d’aborder diverses influences et de s’inscrire dans un langage formel contemporain.

Présentation du film de Louisa Babari « Nabou Diop »

Documentaire, 19 minutes, couleur, DV.Version originale: Français

Réalisation: Louisa Babari. Montage: Pascale Obolo

Musique: Ramiro Naka, Youssou N’Dour. Production & distribution: scenarioindustrie. France.

Année de production: 2009.

Festival International du Film Panafricain, Cannes, 2009

Portrait de l’artiste, le film revient sur le parcours de Nabou Diop et son rôle au sein du patrimoine dansé africain.

14h00-14h30 Pascale Obolo, cinéaste

Projet : Decolonize Architecture Now/ Occupy Schloss von Puttkammer 2013

Ce projet artistique élaboré par la cinéaste camerounaise Pascale Obolo et la plasticienne allemande Caecilia Tripp est une plongée dans les enjeux de la mémoire coloniale germano-camerounaise. Les artistes proposent d’interroger les mémoires croisées de la colonisation telles qu’elles se sont construites en Allemagne et au Cameroun, tout en invitant à analyser les « politiques » et les « usages » de ces mémoires à travers un dialogue artistique avec les disciplines du cinéma, de la danse et la littérature. Schloss von Puttkamer est un château bavarois construit dans la ville de Buéa au pied du mont Cameroun, un volcan en activités, l’occupant comme un symbole du pouvoir, de surveillance et d’autofiction coloniale. Initiative de Jesko von Puttkamer qui décida de faire de Buéa la capitale du Cameroun à la place de Douala pour construire son Puttkamerschlßchen sur le Mont Cameroun : montagne de cette “promesse” d’un système de plantation coloniale.

14H30-15H00 Stanne Gold Djemba, danseuse et chorégraphe

Danseuse et chorégraphe américano - camerounaise, Stanne Gold Djemba enseigne à Paris; Remettant en question l'enseignement des danses africaines en Europe, elle crée une méthode d'enseignement thérapeutique de la danse, l'Original Afro Dance. Elle réfléchit à l'aspect thérapeutique de l'apprentissage des danses et sur le rapport corps / danse. Par la prise de conscience des différentes parties du corps et par la recherche d’un juste rapport à la pesanteur, elle permet d’acquérir : le lâcher prise, l’enracinement, la verticalité, la maîtrise du rythme et de l’espace, ainsi que la coordination des gestes. Pour parvenir à ces acquisitions, il est nécessaire, comme l’enseigne la tradition africaine initiatique, de mettre en éveil la sensorialité du corps (tactile, visuelle, auditive et kinesthésique) et de développer une présence d’esprit à ses sensations. Son travail est à l'origine d'une publication dont la sortie est prévue fin 2013.

15h00-15h30
- Conclusion de la journée sous forme d’une discussion générale avec tous les présents


mercredi 29 mai 2013

PRIX

Prix de l'Ina THEQUE

L’Institut National de l'Audiovisuel (INA) a été chargé par la loi du 20 juin 1992 de la conservation et de la communication des oeuvres et documents de radio-télévision dans le cadre du dépôt légal.
Le dépôt légal de la radio-télévision ayant pour vocation essentielle de constituer un patrimoine national favorisant la recherche scientifique, l'INA a créé les Prix de l'Ina THEQUE.


Ces prix comprennent deux distinctions :
• le Prix d'encouragement,
• le Prix de la recherche.

Le Prix d'encouragement, d'un montant de 2.000 €, distingue un mémoire produit dans le cadre d’un master de recherche, professionnel ou équivalent, ayant pour objet l'étude de la radio et/ou de la télévision, soutenu l'année civile de la remise du prix ou l'année précédente.

Le Prix de la recherche, d'un montant de 4.000 €, récompense un travail de recherche de niveau doctorat ou d'un chercheur confirmé ou d'un collectif datant de trois ans au plus à compter du 30 juin 2012, conduit à partir des sources de radio et/ou télévision ayant pour objet l'étude des médias.

Ce travail est distingué tant en fonction de la pertinence de sa méthodologie que de l'originalité de sa problématique. Il est destiné à enrichir la connaissance de la communication audiovisuelle.

Le jury, composé de professionnels de la radio et de la télévision, de représentants du monde universitaire et scientifique, de personnalités qualifiées, est présidé par le Président de l'INA.

La remise des Prix de l'Ina THEQUE aura lieu au dernier trimestre 2013, à Paris, et la date limite de remise des travaux est fixée au 30 juin 2013.

Les formulaires de participation sont disponibles sur le site internet de l'INA :
http://www.inatheque.fr/publications-evenements/prix-inatheque.html

Les demandes de participation devront être envoyés à l’adresse ci-dessous :
INA – Direction déléguée aux Collections
4, avenue de l’Europe
94366 Bry-sur-Marne Cedex - France


Pour toute renseignement complémentaire, contacter Marie-Françoise Boudet : mfboudet@ina.fr (01 49 83 30 88).

CONFERENCE

Dans le cadre du Festival d'histoire de l'art, sera donnée la conférence

"Les spectacles de marionnettes à la Foire 
durant la première moitié du XVIIIe siècle"

Samedi 1er juin, 17h
Château de Fontainebleau Salle des Colonnes

par Jean-Philippe Desrousseaux, marionnettiste, Bertrand Porot (Université de Reims) et Françoise Rubellin (Université de Nantes).

http://festivaldelhistoiredelart.com/programmes/une-scenographie-de-lephemere-les-spectacles-de-marionnettes-a-la-foire-durant-la-premiere-moitie-du-xviiie-siecle/

APPEL à CONTRIBUTION PERMANENT

The Dancing Plague


Ouverture de la rubrique " "La Recherche"  cherche à diffuser des fragments et autres extraits de travaux de jeunes chercheurs.

Sur contribution volontaire. 

Voir le site de la revue

Visiter la page facebook de la revue

Appel à contribution permanent




The Dancing Plague est une revue pluridisciplinaire consacrée à la danse dans ses aspects les plus divers. Il s’agit d’aborder la danse dans sa dimension aussi bien académique et institutionnelle qu’amatrice, à la fois en tant que domaine esthétique, mais aussi en tant que pratique anthropologique et sociale. Cette revue entend confronter les travaux de chercheurs, les expériences des publics, les pratiques des danseurs dans un esprit à la fois exigeant mais aussi décomplexé et ludique. Initiée par le collectif artistique Speedbattles , cette revue affiche un fort parti pris éditorial : parler de danse avec et pour tous ceux que la danse peut toucher.

The Dancing Plague vise à ouvrir les discours produits aujourd’hui sur la danse, à favoriser la diffusion de ceux-ci auprès d’un public le plus large possible. Il s’agit de croiser les approches, de donner la parole certes aux chercheurs, aux critiques, aux chorégraphes mais aussi aux danseurs (ce qui est souvent plus rare), aux publics, aux amateurs, à ceux que la danse ne touche pas, souvent peut-être par le caractère très élitiste des regards portés sur celle-ci.


mardi 28 mai 2013

OFFRE D'EMPLOI : Lecturer in Dance (UK)

Part-Time Lecturer in Dance
University of Roehampton

Deadline : 6 juin 

INFOS : http://www.roehampton.ac.uk/uploadedFiles/Pages_Assets/PDFs_and_Word_Docs/Human_Resources/HR8213%20Lecturer%20in%20Dance.pdf

APPEL à CONTRIBUTIONS

Call for Papers
Choreographic Practices

Deadline: If you would like to be considered for the
autumn/winter 2013 issue then the deadline for submissions is 31st May 2013,
although we do accept submissions at any time.

Aims and Scope

Choreographic Practices provides a space for disseminating choreographic practices,
critical inquiry and debate. Serving the needs of students, teachers, academics
and practitioners in dance (and the related fields of theatre, live art,
video/media, and performance), the journal operates from the principle that
dance embodies ideas and can be productively enlivened when considered as a
mode of critical and creative discourse. Placing an emphasis on processes and
practices over products, this journal seeks to engender dynamic relationships
between theory and practice, choreographer and scholar, such that these
distinctions may be shifted and traversed.

Contributions
are invited that articulate and explore choreographic practices from a diverse
range of perspectives. We are especially interested in receiving
critical/creative practice-led research that is interdisciplinary and
experimental in nature.

Choreographic Practices incorporates critical essays, creative documentation, blogs
in print, visual essays, dialogues, interviews and debate. We encourage
submissions in both conventional and alternative modes of writing, including
performative and visual essays.

Submission: Articles should be submitted via the 'submit to this
journal' button on the Journal homepage (http://www.intellectbooks.co.uk/journals/view-Journal,id=170/).

Length: Up to approx. 6,000 words (or equivalent in other formats)
Format: Word file 
File labeling: Clearly named your
file with the title of your submission

Contact
information: Include e-mail, postal address and appropriate telephone
number(s).
As an international peer-reviewed journal, all research articles
published in the journal undergo rigorous peer-review, based on initial editor
screening and anonymous refereeing by at least two referees. All reviewers are
internationally recognized and leaders in their fields.

Style guide: See Intellect Publishers Style guide for full presentation
details:

http://www.intellectbooks.co.uk/journals/page/index,name=journalstyleguide

Images: Choreographic
Practices will be able
to carry photographic images. If you have access to high quality images
appropriate for your article then it would be very helpful if you could send
two or three such images in a separate file but with your article. Images
should be sent as JPeg or tiff files at 300 DPI. If you are able to send us
images please ensure that each contains relevant information including date,
title and name of photographer and that the file name is clear. NB. You are
responsible for obtaining all appropriate permissions.

Writing style: We encourage a diverse range of writing styles and layouts
in line with the form, purpose and content of each submission. You might also
consider our readership of dance artists, scholars, students, teachers,
academics and practitioners in dance and related fields when writing.
It will also be assumed that the author has obtained all necessary permissions to
include in the paper items such as quotations, musical examples, images,
tables, etc.

Submission of an article to the journal will be taken to imply that it presents original, unpublished work not under consideration for publication elsewhere. By submitting a manuscript, the authors agree that the exclusive rights to reproduce and distribute the article have been given to the publishers.

Editors’ contact
details:

DrVida L Midgelow, University of Middlesex, UK: choreographicpractices@live.co.uk

Dr Jane M Bacon, University of Chichester, UK: choreographicpractices@live.co.uk

Ashleigh Griffith
PhD CandidateUniversity of Chichester
Editorial AssistantChoreographic Practices Journal

lundi 27 mai 2013

TANZKONGRESS / DANCE CONGRESS Düsseldorf, JUIN 2013


Lire le programme sur le site du congrès 

Accéder à la page Facebook du congrès







  BEWEGUNGEN ÜBERSETZEN – 
PERFORMING TRANSLATIONS

With the Dance Congresses 2006 in Berlin and 2009 in Hamburg, the German Federal Cultural Foundation has taken up the tradition of dancer’s congresses in the Weimar Republic which had united all dance professionals of the epoch.

From 6 ­to 9 June, 2013, the Dance Congress will take place in Düsseldorf for the first time.

‘Bewegungen übersetzen – Performing Translations’ is the motto of the third edition dedicated to the transfer and mediation of body concepts, movement repertories and modes of practice in and between different cultures. How do we “translate” practices, value judgements and behaviour patterns from other contexts? And what role do bodies and movements play in the process?

Several contributions deal with the opening piece ‘La Création du monde 1923 – 2012’ by the Congolese choreographer Faustin Linyekula, who questions the repercussions of colonialism in regard to body images and scopes for movement in the age of globalisation.

The social status of dance and choreography in Europe, Africa, India, South America, and the South Pacific is a central theme of more than 100 events including, for example, the – from a European perspective – surprising combination of contemporary dance, yoga and urban activism in a metropolis like New Delhi. The Congress also examines the critical debates on normative body images, for instance, differently abled bodies and aging bodies that are underrepresented in stage dance. Lectures, salons and labs offer the opportunity to discuss questions related to passing on dance, to its archiving and reconstruction, and to the current state of copyright law, while special methods and techniques for dramaturgy, choreography and training can be tested in workshops.


COLLOQUE 30 MAI, Musée du Quai Branly



samedi 25 mai 2013

RENCONTRE (Bruxelles)


Comment se mouvoir avec efficacité et aisance ?
Vendredi 7 juin, à 18h30, à la Raffinerie
(Bruxelles)

A l ’occasion de la parution du livre Le corps pensant de Mabel E. Todd (éd. Contredanse, 2012) et dans le cadre du stage autour de l’Ideokinesis,
Contredanse vous invite à une soirée autour des pratiques corporelles et de l’Ideokinesis en particulier.
L’Ideokinesis est une approche corporelle développée par Mabel Todd au début du XXe siècle. La technique consiste à prendre conscience de son anatomie en travaillant à partir d’images. L’objectif est de mieux se mouvoir et corriger les mauvaises habitudes posturales. Elle s’adresse donc à toute personne désireuse de développer cette conscience kinesthésique et prend évidemment tout son sens pour les personnes dont le corps est le principal outil : danseur, chorégraphe, professeur d’éducation physique, kinésithérapeute…
Des praticiennes venues d’Europe et des Etats-Unis donneront un éclairage sur cette technique, son histoire et ses applications dans le champ de la thérapie comme de la danse

En présence de :
Pamela Matt (US), initialement danseuse, enseignante d’Ideokinesis
Ursula Stricker (CH), artiste plasticienne et danseuse, ancienne assistante d’André Bernard en Idéokinesis
Gaby Agis (UK), danseuse et chorégraphe, enseignante en Skinner Releasing Technique
Eva Karczag (US), danseuse formée en Technique Alexander et en Ideokinesis
Carla Bottiglieri (FR), danseuse et chercheuse

Téléconférence avec :
Irene Dowd (US), chorégraphe et enseignante
Elise Argaud et Denise Luccioni (FR), les traductrices du livre de Mabel Todd

En anglais, traduction en français.
Entrée libre
Réservation souhaitée : reservations@contredanse.org
La Raffinerie : 21 rue de Manchester 1080 Bruxelles
Organisé en partenariat avec Charleroi Danses

RENCONTRE


Le cirque dans les arts de la rue (mai 2013)

Jeudi 20 juin
A l’occasion du festival La Rue est à Amiens - Fête dans la Ville 2013
Au Cirque Jules Verne, de 10h30 à 17h

En partenariat avec le Cirque Jules Verne, Pôle national des arts du cirque à Amiens, les réseaux ZEPA et PASS, Circus Channel
Historiquement, en France, les arts de la rue et le cirque de création entretiennent des relations étroites : les premières expériences des compagnies dites de « nouveau cirque » étant nées dans la rue. Le développement et la structuration des deux champs les ont distingués, jusqu’à les séparer – séparation revendiquée par certains. Pourtant, les ponts et les échanges sont, aujourd’hui encore, nombreux : présence de disciplines circassiennes dans certaines créations de rue, opérateurs s’intéressant aux deux champs et une recrudescence de spectacles de cirque se jouant en extérieur...

Au-delà de cette présence du cirque dans les arts de la rue et d’un goût certain du public pour les disciplines circassiennes, force est de constater que les écritures circassiennes pour l’espace public – qui tiennent compte des spécificités de cet espace de jeu – restent peu développées. De multiples questions en suspens méritent ainsi d’être posées aux artistes comme à ceux qui les accompagnent.

Les artistes de cirque investissent-ils davantage la rue par nécessité économique – ouvrir le champ des possibles en terme de diffusion – ou par choix artistique ?
Quelles raisons au succès des arts du cirque en rue : qualité artistique ? Attractivité populaire ?
Quelles sont les esthétiques du cirque en espace public ? Quelles pistes de développement envisager pour ces formes de création circassienne ?

Ce temps de rencontre est l’occasion de creuser ces questionnements, pour envisager peut-être, à terme, des pistes, voire des dispositifs, permettant un développement des écritures circassiennes de rue.

Programme de la journée

10h30 – 12h30 : Looking for circus… Regard d’accompagnateurs.
Modération : Floriane Gaber, auteure, journaliste

En France comme en Angleterre, le cirque et les arts de la rue se côtoient dans les programmations. Quelles passerelles entre les deux champs ? Comment les artistes naviguent-ils d’un champ à l’autre ? Quel regard ceux qui les accompagnent portent-ils sur ces démarches ? Quelles différences et points communs entre les deux pays ?

Table ronde avec :
Rachel Clare, Kate Wood, Daniel Andrieu, Jean-Pierre Marcos et Frédéric Rémy.

12h30-14h : Pause déjeuner

14h – 15h45 : Ressorts, processus, formes, esthétiques et propos… Qu’est-ce que le cirque en rue ?
Modération : Anne Gonon, chargée des études et de la recherche à HorsLesMurs

Y a-t-il et quelles seraient les spécificités du cirque dans l’espace urbain de chaque côté de la Manche ? Qu’est-ce qui pousse des artistes de cirque à jouer dans l’espace public ? Comment intègrent-ils l’espace public et ses spécificités à leur création ?

Débat avec des artistes et des opérateurs :
Stéphane Girard et Ana Rache – compagnie Les Studios de Cirque, Ali Williams de NofitState et Joe Mackintosh, Eric Aubry, Yveline Rapeau…

15h45-16h : Pause

16h-17h : L’accompagnement du cirque en rue : quelles voies vers un développement des écritures circassiennes de rue ?
Réflexion collective modérée par Anne Gonon, chargée des études et de la recherche à HorsLesMurs

Réservation souhaitée avant le 6 juin à cirqueamiens@amiens-metropole.com

EN MAI : la danse en Europe et dans le Monde, quelques annonces de conférences


EUROPE 

Séminaire, University of Leeds
29 mai, 17h30-19h30


Research Seminar Series on Romeo Castellucci

Hosted by the Practitioner Processes Research Group
Chair: Dr George Rodosthenous


Guest Speakers:
Eleni Papalexiou University of Peloponnese
The Theatre of Romeo Castellucci and the Socìetas Raffaello Sanzio
The work of the Italian artist and his group, the “Socìetas Raffaello Sanzio” is examined thematically, both in terms of theory and practice: the method which Romeo Castellucci uses to create his spectacles and the connection between the organic elements and the necessities of the stage. It will investigate the way Castellucci reconsiders the role of the actor, assigning a passive energy to the person on stage and the presence of uncommon bodies, children and animals in his theatre.

Avra Xepapadakou University of Crete

Archival Research and Cultural Heritage: The Theatre Archive of Romeo Castellucci and the Socìetas Raffaello Sanzio
This presentation has as its particular object the two-year research project ‘Archivio’, concerning the archive of the Socìetas Raffaello Sanzio, one of the richest theatrical collections in Europe. Funded by the Special Account for Research of the University of Crete, this project has as its primary goal to make accessible to students, scholars and the general public across the world an archive which contains the long contemporary history of one of the most distinguished artistic groups internationally.

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MA SODA Lecture Series "What is Subject What is Creation" I With: Boyan Manchev, Helmut Ploebst, Noémie Solomon, Constanze Schellow, Frédéric Neyrat I Summer term 2013

Dates :
10 avril - 12 juin

Lieu : Berlin, Allemagne.
Type : Séminaires/ Conférences
Programme:  http://www.hzt-berlin.de/?z=1&sz=2&lan=de
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lundi 20 mai 2013

SEMINAIRE DOCTORAL


The Body as Archive: 100 Years Le Sacre
Doctoral School of Arts, Humanities and Law specialist course

Dates : 22-25 mai 
Lieu :  Concertgebouw Brugge
Web : http://www.theaterwetenschappen.ugent.be/sacrecourse

The course is open to all doctoral researchers in the arts (School of Arts) and in art studies, but may also be of interest to other doctoral students whose research concerns, or addresses issues related to musicology, dance, dance studies, dance history, theater studies or performance studies.

Abstract
Upon its premiere by the Ballets Russes, on 29 May 1913 at the Paris Théâtre des Champs-Elysées, Le Sacre du Printemps immediately acquired the status of 'sacred scandal'. Though undoubtedly part of it, the pagan subject matter about a young maiden chosen as a sacrifice to the God of Spring does not account for the entire controversy. The score, choreography, costumes and set design all radically challenged the aesthetic norms of the age. A correspondent for the Musical Times reported that the music 'baffles verbal description. To say that much of it is hideous as sound is a mild description'. Nijinsky, who had created his choreography in response to the impelling rhythm and earthiness of Stravinsky's score, revolutionized the ballet idiom with his choice for in-turned feet, slightly bent knees andangular assymetric gestures. This 'primitive' posture redefined the body that had been carefully stretched and disciplined by the romantic ballet tradition.


In the hundred years since its premiere, the piece has acquired near-mythic proportions and it has become the subject of numerous reconstructions and creative re-interpretations. These are often radically different from Nijinsky's original production. German choreographer Raimund Hoghe's or Polish artist Katarzyna Kozyra's The Rite of Spring productions (both 2004), for instance, take the piece as occasion to focus on social notions of gender, age and identity. Contemporary adaptations of historic dance material such as these thus become sites of resistance against normative structures of aging, corporeal discipline and control.

This intensive course focuses on how 'the body as archive' (of dance movements, but also of habits) engages with the canonical repertoire of Le Sacre. In recent dance and performance literature, the body is considered an archive that touches upon the ephemeral. As dance scholar Lepecki notes, 'The body may have always been nothing other than an archive'; it stores dance techniques, choreographic phrases, movements, gestures, habits, tics and fragments of unrelated repertoire to reactivate at a later time (Stalpaert 2011). This conception is based on insights from embodied cognition studies and on the 'embodied mind thesis' (Lakoff and Johnson), which states that cognitive processes are firmly rooted in the body's interaction with the world. The fragile status of the body-as-archive seems to inform a lot of today's performing arts. The enormous rise in the number of re-stagings of important dance pieces by leading choreographers and the growing attention to dance repertoire suggest an obsession with, or at least a larger than average interest in the past and corporeal 'sites of memory' (Taylor).

References: Damasio, A. 1999. The Feeling of What Happens. Body, Emotion and the Making of Consciousness. Vintage. / Lepecki, A. “The Body as Archive. Will to Re-Enact and the Afterlives of Dances”. The Dance Research Journal 42(2010)2: 28-48. / Taylor, D. The Archive and the Repertoire. Duke University Press, 2003. / Schneider, R. Performing Remains: Art and War in Times of Theatrical Reenactment, Routledge 2011. / Stalpaert, C. “Re-enacting Modernity. Fabian Barba’s A Mary Wigman Dance Evening (2009). Dance Research Journal. 43(2011)1: 90-95.

Programme

22-25 May 2013, sessions from 9-12am, and 2-5pm

The two-part programme matches research in dance studies (Ramsay Burt) to musicological research (Martine Huvenne and Rokus de Groot). The two workshops aim at maximum interaction between the lecturers and the participants.

22-23 May: Prof. Ramsay Burt

This seminar module will examine Nijinsky’s Le Sacre du Printemps, focusing in particular on two aspects of it: its modernist choreography, and the social and political meanings arising from its central, climactic event, sacrifice. During the seminar we will examine reviews of performances in Paris and London in 1913, together with selected, key reminiscences about the ballet. It will consider the use made of this material by Millicent Hodson in her well known reconstruction of the ballet as documented in her 1996 book. It will also discuss some recent perspectives on early modernism (Butler 1994, Crary 2001), together with discussions of ritual and sacrifice by Douglas 1966 and Agamben 2007). There will also be opportunities to discuss some of these ideas in relation to the recent dance work of Xavier le Roy and other performances that are programmed during the accompanying festival.

22 May:
Morning (9-12am)
- Le Sacre du printemps in London 1913 and the English Suffragettes.
- Discussion with Xavier Le Roy

Afternoon (2-5pm)
- discussion of reviews of performances of Sacre in London and Paris in 1913 together with Crawford Flitch on ‘natural’ dancing.

23 May:
Morning (9-12am)
- discussion of recent works made using the music of Sacre (including Le Roy, Hoghe, Bel) in relation to Agamben’s essay.

Afternoon (2-5pm)
- Discussion of Millicent Hodson's reconstruction of Sacre and her reconstruction score.

24-25 May: Workshop Dr. Martine Huvenne & Prof. Rokus de Groot

Stravinsky, it could be said, created Le Sacre not only auditively, but also audio-visually. The composer challenges his audience to listen in an empathic and embodied way. This has occasioned new compositorial constructions that can be linked to folklore, but can also be approached from a contemporary perspective. Stravinsky invites the choreographer to base his creation in a thinking in movement instead of in a meticulous loyalty to the score.

In a workshop of a day and a half, prof. Rokus de Groot and dr. Martine Huvenne will address the singularity of this exceptional composition. The embodied listening as proposed by Stravinsky is linked to an insight in the actual composition itself. This becomes the foundation for an interpretation of the choreography not only from a historical context, but also from the contemporary context of an audio-visual embodied perception.

Lire la suite et les modalités d'inscription

COLLOQUE


COLLOQUE 
L’ALTÉRITÉ DANS LE SPECTACLE, LE SPECTACLE DE L’ALTÉRITÉ

Colloque organisé par Nathalie Coutelet en collaboration avec Isabelle Moindrot

Dates : Du 23 au 25 mai 2013

Lieux: 
23 mai 2013
Archives nationales
59 rue Guynemer
93383 Pierrefitte-sur-Seine
et
Théâtre Gérard Philipe
59 Boulevard Jules Guesde
93200 Saint Denis

24 mai 2013
Cité nationale de l’histoire de l’immigration
293, avenue Daumesnil
75012 Paris

25 mai 2013
Opéra-Comique
1 Place Boieldieu
75002 Paris
et
Institut national d’Histoire de l’Art
2 Galerie Colbert
75002 Paris

En collaboration avec :
la Cité nationale de l’histoire de l’immigration, l’Opéra-Comique, le théâtre Gérard Philipe, Centre Dramatique National de Saint-Denis

Web : http://www.labex-arts-h2h.fr/l-alterite-dans-le-spectacle-le-81.html
Télécharger le programme complet du colloque

Le siècle de la colonisation et de l’Etat-nation a créé et diffusé quantité d’images d’altérité - ethnique, culturelle ou sociale. Personnages fascinants et inquiétants, les « autres » sont mis en scène dans l’ensemble des arts spectaculaires, du bal populaire à l’opéra, du vaudeville à de la salle obscure. Défiant les formes convenues, ils contribuent au renouvellement des arts et invitent à la création.Croisant les disciplines (histoire du théâtre, de la danse, de la musique, du cinéma, histoire), les sources et les archives, les chercheurs se déplaceront sur plusieurs sites, à la rencontre de différents publics. Un programme de films d’archives sera présenté en fin de colloque.




RENCONTRE


Rencontre publique 

SACRE ET MODERNITÉ 

Dates : 30 et 31 mai 2013
Lieu : Comédie des Champs-Elysées
15 avenue Montaigne – 75008
Rencontre organisée en collaboration avec la Fondation Paul Sacher de Bâle 


Jeudi 30 mai (Journée Musique) - 10h à 17h
Journée présentée et animée par Myriam Chimènes Directrice de recherches au CNRS (Institut de recherche sur le patrimoine musical en France)
En présence de: 

10h à 12h30
Pierre Boulez compositeur et chef d’orchestre
Professeur Richard Taruskin University of California, Berkeley, Class of 1955 Chair («Resisting Le Sacre») 
Professeur Stephen Walsh Cardiff School of Music («The mirror of innovation : the First Rite of spring and its critics»)

14h30 à 17h
Robert Craft chef d’orchestre, essayiste musical et ancien assistant de Stravinsky («Comments on the Sacre at 100»)
Robert Piencikowski musicologue à la Fondation Paul Sacher («Les irradiations du Sacre»)
Il présentera notamment l’édition en facsimilé de la partition autographe éditée ce printemps  par la Fondation Paul Sacher / Boosey & Hawkes (Londres)

Vendredi 31 mai (Journée Danse) - 10h à 14h

Journée présentée et animée par Brigitte Hernandez Journaliste de danse et auteur du documentaire «Les Printemps du Sacre»
En présence de:   

Millicent Hodson chorégraphe et historienne de la danse et Kenneth Archer historien de l’art Ils sont les auteurs de la reconstitution de la version originale de Nijinski de 1913 pour le Joffrey Ballet en 1987

Sasha Waltz chorégraphe 
 
 Lutz Förster Professeur à Folkwang Université des Arts, directeur artistique de la Compagnie Pina Bausch et interprète lors de la première du Sacre de Pina Bausch (décembre 1975)
Erik Näslund Conservateur du Musée de la Danse de Stockholm, spécialiste des Ballets Suédois et auteur de la monographie consacrée à Rolf de Maré publiée chez Actes Sud

dimanche 19 mai 2013

APPEL à CONTRIBUTIONS pour 2014 : Prenez de l'avance....

Pour septembre.... 

Appel à communication
Colloque international et interdisciplinaire, « Rameau, entre art et science »
Paris, 20-22 mars 2014
 
Deadline : septembre 2013

Institut de recherche sur le patrimoine musical en France (CNRS, BnF, Mcc) ; Bibliothèque
nationale de France ; Fondation Royaumont ; Opéra-Comique
Direction scientifique : Sylvie Bouissou et Graham Sadler
avec la collaboration scientifique de Solveig Serre et Elizabeth Giuliani.

À l’occasion de la célébration du 250e anniversaire de la mort de Rameau, l’idée d’un colloque 
international s’est imposée d’elle-même. Ce colloque s’inscrit dans un ensemble de manifestations et 
d’événements (exposition « Rameau » à la Bibliothèque nationale de France ; parution d’ouvrages et 
d’éditions musicales ; productions d’opéras) qui souhaitent rendre hommage à l’un des plus grands 
musiciens et théoriciens de l’histoire de la musique. Depuis le dernier colloque international 
consacré à Rameau à Dijon en 1983, les recherches sur le compositeur ont considérablement 
progressé grâce aux travaux conduits par la communauté internationale et en particulier depuis 
1996, par l’équipe du programme « Rameau » de l’IRPMF (http://www.irpmf.cnrs.fr/themes-de-
recherche/jean-philippe-rameau-1683-1764/). 
Ce colloque a pour objectif de confronter les points de vue les plus actuels des chercheurs et des 
interprètes dans différents domaines, tant artistiques que scientifiques afin de coller au mieux à la 
personnalité et à l’envergure des champs d’activité du « savant-musicien ». Véritable père de 
l’interdisciplinarité, Rameau a engagé la réflexion avec les plus grandes personnalités de son temps 
de d’Alembert à Euler, d’Estève au Padre Martini, de Rousseau à Wolf, plaçant ainsi la musique au 
cœur des débats intellectuels européens. Par fidélité à ses convictions, cette grande rencontre 
internationale souhaite donc convoquer les disciplines connexes de la musicologie (littérature, arts 
du spectacle, théorie musicale, esthétique, historiographie, etc.). Afin de garder une cohérence 
intellectuelle aux débats, voici les axes de réflexion proposés : 
Rameau, au cœur de l’interdisciplinarité 
À la lecture des sources 
Rameau et les enjeux théoriques 
Rameau et ses relations sociales 
Interpréter Rameau 
Scénographie d’hier et d’aujourd’hui 
Les conférences se tiendront à la Bibliothèque nationale, à l’Abbaye de Royaumont e à l’Opéra- 
Comique. Les communications devront durer de 20 minutes pour laisser la place au débat. 
Les langues du colloque sont le français et l’anglais. La publication des actes est prévue dans la 
collection « Études et rencontres » de l’École des Chartes. Les repas et hébergement seront pris en 
charge par l’organisation du colloque. Il est demandé aux intervenants de chercher un financement 
pour leur transport jusqu’à Paris. 
Merci d’envoyer votre proposition de communication avec un résumé d’environ 250 mots au 
plus tard le 15 septembre 2013 à : 
Sylvie Bouissou : syl.bouissou@orange.fr
AND Graham Sadler : Graham.Sadler@hull.ac.uk
Les résumés seront publiés sur le site de l’IRPMF courant janvier 2014 
(http://www.irpmf.cnrs.fr) afin de préparer les débats. Les questions organisationnelles sont à 
transmettre à Solveig Serre : solveig.serre@free.fr
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APPEL À COMMUNICATIONS
Colloque international L’engagement du spectateur

Université du Québec à Trois-Rivières, 22-24 mai 2014

Les réflexions sur l’activité du spectateur se multiplient depuis L’école du spectateur d’Anne
Ubersfeld (1996), qu’elles aillent dans le sens d’une historicisation de ses pratiques, visent une
classification des esthétiques dans lesquelles il est plongé, tentent de tracer les contours de cette
figure, essaient de cerner la relation qu’il entretient avec une performance donnée ou encore qu’elles cherchent à décrire l’activité (politique, esthétique, physique, psychologique, cognitive, etc.) à laquelle il s’adonne avant, pendant et après la représentation. À titre d’exemples, Catherine Bouko (2008) a pu parler du « spectateur postdramatique » et ainsi renouveler l’approche sémiologique de la réception, Josephine Machon explore les pratiques immersives en tant que lieu pour étudier la relation entre l’être humain et son environnement, Madeleine Mervant-Roux (1998 et 2006) a pour sa part montré l’importance de la frontalité dans les salles à l’italienne et cherché à revaloriser le rôle de veilleur-songeur dévolu à celui qui assiste à une pièce de théâtre, tandis que Florence March (2010) aborde la « relation théâtrale » à partir d’expériences spectatorielles concrètes. Pensons également aux Politiques du spectateur d’Olivier Neveux (2013), à la réinvention de sa sociologie par Ethis, Fabiani et Malinas (2008) à la faveur du Festival d’Avignon et à l’étude de sa présence dans la dramaturgie par Thomas Hunkeler (2002 et 2008).
Ces réflexions ont donné lieu à un renouvellement du lexique pour parler de la réception au théâtre. Yves Thoret a proposé le terme de « spectature » pour désigner en français « l’effet produit sur le public par le spectacle » (1993 : 11). Pour sa part, Dennis Kennedy qui convient qu’un «spectator is a corporeal presence but a slippery concept » (2009 : 3) adopte plutôt le substantif spectation, alors qu’un Bruce McConachie risque le néologisme spectating tout en s’efforçant d’expliquer le rôle de l’attention, de l’empathie, de l’émotion et de la culture dans la réception théâtrale. Son ouvrage Engaging Audiences (2012) incite également à concevoir les pratiques spectatrices en termes d’engagement. Pour l’auteur, la notion suppose une relation à deux sens, des créateurs et des spectateurs engagés dans une « communication performative ». L’engagement permet en outre de surmonter la sempiternelle opposition entre passivité ou activité du spectateur et d’aller au-delà de sa simple présence corporelle. Elle n’élude pas non plus l’émancipation politique abordée par Jacques Rancière (2008), mais elle est loin de s’y limiter. Cette métaphore invite plutôt à préciser la nature de cet engagement, les processus mentaux impliqués, les procédés auxquels les créateurs font appel pour l’obtenir et à quel type d’expérience esthétique et culturelle il est convié. Elle nécessite également d’ancrer la réflexion dans des théories, des modélisations, des concepts, des outils concrets permettant de l’appréhender. À cet égard, nous explorerons tant les relations particulières qui se nouent dans certains spectacles que les fondements théoriques à partir desquels on peut approcher les multiples pratiques où se manifeste l’engagement du public dans les arts de la scène.

Lire la suite 

Les propositions, de 300 mots au maximum, en français ou en anglais et accompagnées d’une
brève notice biographique, doivent être envoyées, avant le 30 septembre 2013, à Hervé Guay,
Université du Québec à Trois-Rivières (Herve.Guay@UQTR.CA) et à Catherine Bouko, Université
Libre de Bruxelles (cbouko@ulb.ac.be). L’acceptation des propositions sera signifiée au plus tard le
15 décembre 2013. La durée des communications est de vingt minutes. Il est à noter que deux
festivals réputés, le Carrefour international de théâtre de Québec et le Festival TransAmériques de
Montréal, auront lieu simultanément à proximité du colloque.

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Pour juin.... 

Anthropologie(s) des transes, à la confluence du corps et du rituel
Appel à contributions (revue)
Deadline : intentions de contribution – titre (provisoire) et résumé de 150 mots – à
envoyer avant le 30 juin 2013
articles à envoyer au plus tard le 30 septembre 2013


Une certaine anthropologie française récuse l’emploi du terme « état » pour caractériser ce qui se
joue dans les transes, préférant de fait mettre l’accent sur les représentations. Cette approche a
notamment repris des notions avancées à la fin des années cinquante par A. Métraux et M. Leiris
qui parle de « théâtre vécu », tout en insistant sur l’artificialité des phénomènes. Ainsi, pour M.
Perrin, l’« état de transe » est une expression imprécise qui entérine des idées préconçues du fait
que les définitions du chamanisme qui y ont recours mêlent système intellectuel et fonction
sociale. De même, pour R. Hamayon ou C. Tarot, ce concept générique qu’est la « transe » – par
ailleurs inutile à la compréhension des chamanismes – est employé pour désigner des « états » qui
n’ont pour point commun que leur manifestation extérieure. Pour ces auteur-e-s, le « contact
direct avec les esprits » est d’abord « représenté » dans l’espace et le temps du rituel.
Tout en rompant avec un paradigme centré sur l’opposition artificielle authenticité/inauthenticité,
l’ouvrage dans lequel vous êtes invités à participer s’inscrit dans une approche écologique des
transes, entendue à la fois comme un mode de présence au monde et des objets à saisir,
émergeant dans des espaces intermédiaires entre soi et les autres, entre le biologique et le social,
entre le dedans et le dehors. Autrement dit, les transes sont un système explicatif, relatif aux
variations et continuité entre des actants, dont le contenu dépend de la situation qui les fait
émerger. Dès lors, des expressions comme « hyper conscience », « conscience élargie », « états
modifiés de conscience », voire « états (psychiques) dissociés », etc., ont-elles un sens en
anthropologie ? Que faire de celles d’« extase », « transe », « possession », etc., dont l’usage peut
être pertinent s’ils sont définis autrement que par opposition à un état « normal » ?
En d’autres termes, la compréhension du vécu signifié et signifiant des transes comme autre
chose qu’une simple parenthèse dans un rapport au monde ordinaire – vision plutôt
ethnocentrique – participe-t-elle de la production du savoir anthropologique ? Définies comme
des expériences éminemment subjectives ou des espaces sémantiques susceptibles d’informer sur
les dynamiques culturelles et les logiques sociales en jeu, existe-t-il un moyen de faire dialoguer
ces deux approches des transes ? Le corps pourrait-il être cet entre-deux analytique ?
L’ouvrage prévu veut interroger l’objet corps, imaginé, convoqué et mis en scène dans les transes
spontanées et/ou provoquées, et au sein de rituels afin de tirer profit de sa confrontation à une
altérité liminale à des fins thérapeutiques, exutoires, artistiques et/ou spirituelles. L’analyse des
rituels, lieux d’exercice de la fonction correctrice et restauratrice réitérable, mais aussi lieux de
rencontre entre des expériences corporelles, émotionnelles et cognitives et des modes opératoires
d’un dispositif symbolique permettra dès lors d’analyser la praxis (psychotrope, chamanique,
relevant des arts martiaux, de la danse, etc.) comme lieu de construction du monde et du sens de
soi.
Les contributions pourront se pencher sur des expériences, des pratiques ou des rituels d’ici ou
d’ailleurs, « traditionnels » ou réappropriations locales et/ou occidentale, autant de nouvelles
séquences rituelles et agencements représentationnels qui peuvent s’inscrire dans un cadre
religieux, festifs, thérapeutiques ou autre. Enfin, les auteur-e-s pourront, s’ils le souhaitent,
illustrer leurs propos en présentant une ou des expériences racontées par leurs interlocuteurs et
interlocutrice ou vécues par eux ou elles-mêmes.

Texte : 30 à 60 000 signes (espace non compris)
Notes : en bas de page
Résumé: un résumé d’environ 150 mots sera joint
Biographie : un texte biographique d’environ 100 mots sera joint
Photo : une ou deux photographies pourront être associées au texte
Les intentions et textes doivent parvenir à : Sébastien Baud, Institut d’ethnologie, Université de Strasbourg : sbaud@unistra.fr
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Pour juillet.... 


Les Mondes du spectacle au XIXe siècle — VIe Congrès de la SERD (1er juillet 2013)
Société des études romantiques et dix-neuviémistes

Appel :
http://etudes-romantiques.ish-lyon.cnrs.fr/appels.html
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Pour octobre... 

Biennial Conference 2014 
Ballroom, Stage & Village Green: 
Contexts for Early Dance 

Dates : 5 et 6 avril 2014.  
Lieu : Prior Park College, Bath
Deadline : 1er octobre 2014
Web : www.earlydancecircle.co.uk

Once the home of Ralph Allen, architect of Georgian Bath, the college overlooks his landscape gardens and the World Heritage city of Bath.
First Announcement and Call for Papers

Papers, workshops and short performances are invited on topics connected with this theme.
Speakers on the social context of early dance might wish to consider:

· the function of dance in the ballroom, for example
within a particular historical setting or today
· the place of dance on stage, originally or today
· social dance as a rite of passage or initiation
· specific examples of social dance as display
· gender issues in early dance
· dance and politics 

Papers on spatial context might address:

· the nature of dance spaces, whether ballroom, stage or elsewhere
· the influence of spatial context on the dance itself

Other topics might include:

· Storytelling through dance
· the ballroom AS stage

WORKSHOPS are very welcome.

SHORT PERFORMANCES are also welcome, but  they should include a short introductory talk or commentary.

Abstracts should be limited to a single sheet of A4 paper.
Papers should be limited to 25 minutes, workshops to 55 minutes, performances are negotiable.
The Conference Proceedings will be published. The text may be expanded for publication.
Abstracts should be emailed to Barbara Segal at barbara.segal@thorn.demon.co.uk  by 1st October 2013. Alternatively, please telephone Barbara on 020 7700 4293.
You will be informed within the month whether your contribution has been accepted. Details of the programme and a booking form will be issued in Nov. 2013.

mardi 14 mai 2013

Journée d'étude : Marges créatrices, marges rejetées XXe-XXIe siècle


CULTURHISTO 2013

 "Marges créatrices, marges rejetées XXe-XXIe siècle" 
journée d'études organisée par les doctorants du centre d'histoire culturelle des sociétés contemporaines. 

Date : Mercredi 29 mai 2013 de 9h30 à 16h
Lieu : Auditorium - Bibliothèque Universitaire
45 boulevard Vauban
78280 Guyancourt
Contact : culturhisto2013@uvsq.fr

Entrée libre, dans la limite des places disponibles.

Présentation

La notion de marge sera au cours de cette journée mobilisée par plusieurs disciplines des sciences sociales et appliquée à des champs d'études variés. Ceci impliquera dans un premier temps d'identifier deux types d'espaces : le centre et la périphérie. En effet, les enjeux et les problématiques qui y sont liés résident dans le rapport qu'elle entretient avec son centre de gravité, et ce dans de nombreuses disciplines.

Selon les critères choisis pour définir la marge par les intervenants, nous pourrons alors analyser plusieurs types de rapports : ceux de la banlieue à sa ville-centre si nous la considérons dans sa dimension spatiale, la classe dominée face à la classe dominante au niveau sociologique, ou encore entre mainstream et subculture d'un point de vue culturel.

Programme 

9h30 – 10h30 Espaces incertains des marges urbaines 
(Modératrice : Juliette AUBRUN – CHCSC).
Amir DOUZI (ENSA), Les marges de la « Zwischenstadt »… Paradigme d’une nouvelle esthétique urbaine.
Elisabetta ROSA (Université de Tours), Les espaces marginaux dans les trajectoires habitatives des migrants en situation précaire : quelles ressources?
(pause)
10h45-11h45 Espaces en marge et facteurs de légitimation 
(Modérateur : Yann LAPOIRE – région Basse Normandie).
Cristelle TERRONI (Université Lyon 2), Artists Space ou la marginalité illusoire d’un espace alternatif dans les seventies.
Gwenaëlle CARIOU (Université Paris 7), Musées et marges : l’exemple des musées africains américains aux Etats Unis.
13h30-14h45 Influences des pratiques marginales sur les normes 
(Modératrice : Brigitte ROLLET – CHCSC).
Elsa CHARLETY (Université Paris 4), « Affreux, sales et méchants »: outrance et décadence des marginaux dans les nouvelles du sud des Etats-Unis à l'ère de la Grande Dépression.
Maryam BORGHEE (EPHE-CNRS), Salafisme français, islam de la marge et orthodoxies. Considérations sémantico-historique et sociologique.
Romain PERRIN (Université Lyon 2), « Ce livre ne cautionne aucunement le vandalisme...». Discours écrits et légitimation du graffiti [1973-2011].
(Pause)
15h00-16h00 Marginalité revendiquée 
(Modérateur : David DIALLO – Bordeaux 3).
Benoît DUFAU (Université Paris 4), Périphérie au centre: le style marginal du rap.
Anne-Claire BONDON (Université de Versailles Saint-Quentin-en-Yvelines), Le rock comme espace d'utopie dans l'Amérique des sixties - amour et désamour pour les voix/voies alternatives de la contre culture. 1955-1975.
Isabelle PERREAULT (Université Laval), De la Nouvelle-Orléans à Paris : la francisation du jazz dans l’entre-deux guerres. 


Télécharger l'affiche [PDF - 942 Ko]




PRÉPAREZ L’ÉTÉ : COLLOQUES ET CONFÉRENCES INTERNATIONALES (juin/juillet)


JUIN 2013

Isadora Duncan International Symposium

“The Dance of the Future: Cultivating Duncan Dance for the 21st Century”
Dates : 16-18 juin 2013
Lieu : George Washington University, EU
Washington, DC

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JUILLET  2013


35th World Congress on Dance Research
En partenariat avec l'International Dance Council (UNESCO)
Dates : 24-28 juillet 2013
Lieu : Athènes, Grèce 

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JUILLET  2013

Healthy Dance Practice and Performance
International Association for Dance Medicine and Science


Date : 14 juillet
Lieu : Seattle, Washington, USA
Web : http://www.iadms.org/displaycommon.cfm?an=1&subarticlenbr=386

The IADMS course Healthy Dance Practice and Performance will offer a day of sessions that provide the basic essentials and practical strategies for designing and delivering dance training that promotes the dancer’s health and well-being. 


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JUILLET  2013

Dance & Somatic Practices Conference 2013
Attending to movement: Somatic perspectives on 
living in this world

Date : 12-14 juillet 
Lieu :  Coventry University School of Art & Design
             Centre for Dance Research (C-DaRE)

Convened by Professor Sarah Whatley,
Dr Natalie Garrett Brown and Ms Kirsty Alexander
Confirmed Keynote contributions from 
Rebecca Nettl-Fiol and Jan Erkert (University of Illinois at Urbana-Champaign)


This three-day event, presented in collaboration with  : Independent Dance (London), invites somatic practitioners, dance artists and scholars from a range of subject domains  to transverse discipline borders and investigate the approaches  that embodied thinking and action can afford to philosophical and socio-cultural inquiry.

vendredi 10 mai 2013

JOURNÉE D'ETUDES


L’Arsenal, haut lieu de la préciosité ? 
Journée d'étude suivie du spectacle Il était un jour à l’Arsenal… 

Date : Lundi 13 mai 2013 9h30-20h00
Lieu : Bibliothèque de l'Arsenal
1, rue de Sully - Paris 4e


9h30 - 18h Journée d’étude
L’Arsenal, haut lieude la préciosité ?
Journée d’étude présidée par Delphine Denis et Catherine Massip.
suivie d'une conférence-spectacle Le maître de chant et les Divines : Sébastien LeCamus et les Précieuses à l’Arsenal par Martine Lefèvre et Frédéric Michel.

18h30 - 20h Spectacle
Il était un jour à l’Arsenal…
Spectacle de Nicole Rouillé et Frédéric Michel.

Adresses et transports - Arsenal

entrée libre sur réservation obligatoire au 01 53 79 49 49

jeudi 9 mai 2013

OFFRE d'EMPLOI au ROYAUME-UNI, PROFESSOR of DANCE


Faculty of Arts and Sciences

Profil : Professor of Dance (full time)
Lieu : Edge Hill University, Ormskirk, Royaume-Uni
Deadline : 31 mai 


Edge Hill University is one of the fastest growing universities in the United Kingdom and has been providing higher education for over 125 years, based on an ethos of opportunity through excellence. The past five years have seen student applications double, turnover increase at a rate of around 20% per annum, and an investment of £130m on campus. Edge Hill is a dynamic and ambitious university with a clear sense of direction, a commitment to enhancing its reputation, and with significant resources to invest in its future.

The Faculty of Arts & Sciences is a diverse grouping of academic and professional traditions, with a strong sense of identity and a fast-growing reputation for its research and teaching. A number of openings have arisen for highly motivated and enthusiastic individuals to join the Faculty. We are particularly keen to continue to build our research capacity, and welcome applications from established researchers or those committed to developing their research careers. 

The University is seeking to appoint to an Established Chair in Dance within the Faculty of Arts and Sciences. Candidates are expected to have strong research and teaching profiles, a successful track record in research income generation, experience of supervising doctoral students and an ability to contribute to the research mentoring of staff as appropriate across the Faculty. Experience of conducting doctoral vivas and of the external examining of research students is also required. You will be an excellent communicator with previous teaching experience at undergraduate level, and should have a positive attitude to the teaching and research goals of the Department. 

For informal enquiries about any of these vacancies, you may wish to contact Professor George Talbot, Pro Vice-Chancellor and Dean of Arts & Sciences, at George.Talbot@edgehill.ac.uk

Ref: EHP0025-0513
Closing Date: 31 May 2013
Date Posted: 3 May 2013
More Information

Please send completed applications by e-mail to application@edgehill.ac.uk or to Human Resources, Edge Hill University, St Helens Road, Ormskirk, Lancashire, L39 4QP.